«Stoker»: Una Obra De Arte Del Suspenso

Uno de los géneros cinematográficos que más me atrae para ver y hacer es el de suspenso, sin embargo, hacía mucho tiempo que no encontraba una obra de este género que reuniera una excelente estructura narrativa con una impresionante estética. Recientemente he visto muy buenas obras como «The Paperboy» o «Side Effects», con un nivel de suspenso importante, pero cuya estética visual y sonora no llegaba a ser tan dominante, pero cuando vi la película «Stoker» quedé atónito por lo subliminal de la historia y de los códigos fílmicos y estéticos que utilizó su director como recurso para armar el relato. La historia es densa, impactante y perturbadora, acompañada de una suavidad visual que la hace aún más aterradora.

Dirigida por el realizador surcoreano Chan-Wook Park («Oldboy») y producida por Ridley Scott («Alien») y el desaparecido Tony Scott («Unstoppable»), este filme cuenta con las impecables actuaciones de Mia Wasikowska («Alice In Wonderland»), Nicole Kidman («The Others»), Matthew Goode («Watchmen»), Jacki Weaver («Silver Linings Playbook») y Dermot Mulroney («My Best Friend Wedding»).

Premisa.

Sin ánimos de revelar mayores detalles de la trama (para que los que no la hayan visto puedan disfrutarla sin influencias), daré un vistazo general de lo que se trata la película. «Stoker» cuenta la historia de India Stoker (Wasikowska), una chica peculiar que desde el inicio vemos un poco perturbada por la repentina muerte de su padre en un accidente automovilístico, el día en que ella cumplía años. Ahora, India está estancada con su madre Evelyn (Kidman) y su tío Charles (Goode), hermano de su padre, quien apareció el día del funeral y de quien India y Evelyn no tenían idea que existía. Charles es un tipo encantador y simpático, pero India cree que su tío tiene un motivo ulterior para haberse mudado de repente con ellas, y empieza a vigilarlo de cerca. De esta manera, India llega a descubrir los secretos más perturbadores de su tío y, en el camino, de ella misma.

Códigos Gráficos.

Por códigos gráficos me refiero a la disposición de los créditos iniciales y finales, como a cualquier otra placa textual que aparezca durante el filme. En este caso, Park nos hace sentir incómodos y alterados desde el inicio al presentarnos los créditos de la película. Mientras que los créditos iniciales de otros filmes aparecen de manera estándar a un costado de la pantalla o mediante fundidos a negro, Park introduce estos códigos gráficos como parte de la imagen, haciendo una especie de jugueteo entre el texto y el ritmo interno de los planos. En la primera toma vemos a India bajándose de un auto y cruzando la calle hasta la orilla opuesta de donde estacionó. De repente nos aparece el crédito de ‘Mía Wasikowska‘ frente a ella y va desvaneciéndose a medida que India avanza hasta el otro extremo de la calle. Luego el plano cambia a un medio plano de India, con lo cual podemos ver cómo el viento ondea su falda y, entre el ondeo, aparece el siguiente crédito de ‘Matthew Goode’. Así, va disponiendo de los créditos según el plano. Si la imagen tiene algún elemento inclinado, el nombre aparece dispuesto de la misma forma inclinada, como cuando aparece el nombre de ‘Phyllis Somerville’ o ‘Director of Photography Chung-Hoon Chung’. El crédito de ‘Nicole Kidman’ aparece entre un herbazal y se desvanece cuando India pasa junto a él, hasta finalmente hacerse polvo. También aparece un plano picado alto de una cancha de tenis en la que India voltea una canasta de pelotas que se riegan en la cancha; en el piso aparece el crédito ‘Production Designer Thérèse DePrez’, y las letras de los créditos se mueven y desplazan cuando las pelotas pican sobre ellas.

Durante la película, el director también utiliza códigos gráficos en la escena en que India encuentra un paquete de cartas escondidas en el despacho de su padre. Al momento en que ella las lee, Park elige mostrarnos pedazos de los párrafos y frases escritas directamente en el papel y en la misma pantalla con la misma tipografía. Estas cartas tenían dibujos artísticos al final que luego son acumulados en pantalla, formando el rostro de India a manera de transición. El uso de esta transición a través de los gráficos nos refuerza la idea de que la persona que escribía las cartas solo tenía en mente (casi obsesiva) a India.

Por otro lado, si nos vamos a los créditos finales de la película, estos aparecen de forma poco convencional; en vez de ir surgiendo de abajo hacia arriba, los créditos aparecen de arriba hacia abajo precedidos por una gota de sangre. Estos detalles, a los que tal vez muchos realizadores no le presten tanta atención, tratándose de los créditos, de salida le dan cierto enmarque a lo que estamos por ver (si son los créditos iniciales) o refuerzan la estética de la obra vista (si son los créditos finales). Nos crean cierta incomodidad, nos hacen ladear un poco la cabeza para leer los créditos, nos llaman la atención por sus formas, sus inclinaciones y los lugares estrategicamente elegidos para colocarlos. Esto nos prepara para ver algo que seguramente va a ser extraordinario, en el sentido literal de la palabra.

La fotografía.

El director de fotografía Chung-Hoon Chung, con quien Park ha trabajado en cinco largometrajes (incluyendo «Oldboy») y un cortometraje, es uno de los artistas más destacados de esta película. Cada plano está tan bien cuidado, con una composición tan perfecta que da la sensación de que cada fotograma es una obra de arte. Los encuadres están acompañados por una minuciosa disposición de los objetos en escena y una dirección de arte que acompaña la suavidad de los planos. Cada plano tiene un ritmo interno y externo bastante lento, a veces normal, a veces ralentizado y hasta pausado a propósito, esta sensación aumenta más la desesperación del espectador y lo inquieta, ya que de alguna forma, estos planos lentos con composiciones perfectas nos transmiten la frialdad patológica de los personajes. De momento se perciben movimientos de cámara más rápidos, por lo general, después del punto medio del relato, cuando India descubre unas cartas en el despacho de su padre que revelan información importante de la historia y sus personajes. Estos movimientos acelerados en esa secuencia, dan paso a una nueva actitud en la protagonista. Representan un cambio en su actitud y su personalidad, por lo tanto, un cambio también en sus objetivos.

La utilización de los dobles encuadres es recurrente durante el relato. Lo utiliza en la escena en que India está sentada en el piano, minutos antes de que lleguen los invitados al funeral. Su madre está parada en la puerta, detrás de ella, llamándole la atención por su comportamiento. En ese momento vemos un plano entero de India de espaldas, pero en el espejo al lado del piano, podemos ver un plano medio (fuera de foco) de su madre Evelyn, con lo cual, Park nos muestra dos personajes en un mismo decorado, sin recurrir a colocarlos físicamente a ambos frente a la cámara, sino utilizando los objetos del decorado para reflejarlos. El mismo plano se repite en la misma locación, casi al final de la historia, cuando Charles está sentado en la silla del piano y Evelyn le pide hablar con él a solas. En ese momento hay un desplazamiento en escena de Evelyn frente a la cámara y de espaldas en el espejo, seguido de Charles cuando se levanta y la sigue, terminando con India que ingresa desde la derecha del encuadre y toma el asiento en el piano. En la escena siguiente, Evelyn ingresa a su habitación por una puerta a la derecha y Charles ingresa también, pero por la puerta de la izquierda, con lo que por un momento se crean tres encuadres: el encuadre general, el plano entero de Charles en el lado izquierdo resaltado por el marco de la puerta y el plano entero de Evelyn en el lado derecho. Otro encuadre bastante ágil es en la última secuencia de la película, cuando India es detenida en su auto por un oficial que usa lentes. Park hace un primer plano del oficial que mira directamente a India interrogándola y reflejado en sus lentes podemos ver un primer plano de India, observándola con cierto desafío y malicia.

Los planos detalle en esta película son particularmente destacados. No solo ayudan a resaltar algún factor importante, sino que invitan a la interpretación. El plano detalle del lápiz lleno de sangre mientras India le está sacando punta, el plano detalle de los zapatos o de los insectos son todos elementos a los que el espectador debe prestar especial atención para conocer (directamente o por interpretación) un aspecto más de las características psicológicas de los personajes.

Con respecto a la iluminación, había cierta variedad al igual que con el color. Por lo general predomina una luz suave y delicada que hace juego con los colores del decorado, sin embargo, también hay la utilización de una iluminación con claves tonales más bajas, con claroscuros, que resalta en las escenas nocturnas y de mayor misterio, creando un clima más siniestro. Por ejemplo, en la escena en que Evelyn y Charles ordenan a India guardar dos cubetas de helado en el sótano, ella baja y enciende una luz que intencionalmente balancea. La iluminación en esa escena era muy puntual, superponiéndose en el balanceo con las imágenes en primer plano de Charles y luego de Evelyn. Este juego de combinar la iluminación de una escena con la de otra en montaje, está subordinado a la historia, con lo cual se percibe la molestia que es para India ver a su madre y a su tío aliarse contra ella. Cada vez que se iluminaban sus rostros en esta escena, era la representación mental de India preguntándose ¿cuál de los dos es más molesto?

El Sonido.

Tanto los efectos de sonido como la musicalización tienen especial protagonismo para crear sensaciones particulares en cada escena. De hecho, nos presentan a tres personajes (India, Charles y Evelyn) que tienen talento en el piano. Esto no es casual, sino que en algún punto de la historia tiene su relevancia. La música extradiegética es utilizada en algunas escenas para acentuar situaciones de suspenso y otras veces para alterar al espectador. Lo mismo sucede con los sonidos cuya fuente directa de emisión vemos, pero aún así nos desconciertan. Por ejemplo, cuando India aplasta un huevo hervido contra la mesa y el sonido se toma casi toda la banda sonora de la escena. El sonido del reloj, que se acrecienta cada vez más en una momento en que la protagonista está por descubrir algo importante del antagonista. El sonido de los pasos de Charles en el comedor o cuando se está quitando la correa que tomó de su hermano muerto. Los ruidos extraños que emanan del teléfono que utiliza la tía Gwendolyn (Weaver) cuando está en su habitación de hotel, que incrementa el terror de la escena, al igual que los efectos de sonidos extradiegéticos que se escuchan cuando India está en el sótano.

Transiciones y Montaje.

Definitivamente que Park no dejó nada al azar en esta película. Hasta las transiciones fueron muy bien cuidadas, utilizando transiciones de forma, como en la escena en que India está peinando a su madre y de repente, a través de un plano detalle del pelo de su madre, pasamos a un flashback que inicia con unos herbazales muy similares a las hebras de cabello de Evelyn. Otro ejemplo sería cuando Charles levanta un pájaro disecado de su nido y abajo encuentra un huevo que se superpone con el ojo de India en la siguiente escena.

En el caso del montaje, lo más destacable es cómo se combina una misma secuencia utilizando los recursos del flashback y flashforward en cortos períodos de tiempo, yendo hacia atrás y hacia delante, volviendo al presente, en repetidas ocasiones para contar una misma situación. Un ejemplo sería en la escena en que India ingresa al baño toda mugrienta a punto de ingresar a la ducha. En esta escena, el director muestra a India entrando, luego adelanta unos segundos cuando India coloca una toalla en el piso, retrocede cuando India acaba de entrar al baño, adelanta cuando India está sobre la toalla quitándose los zapatos, retrocede nuevamente cuando India se mira al espejo, adelanta hasta que India se quita el vestido y vuelve a retroceder con ella mirándose al espejo. Así continúa esta escena, incluyendo flashbacks más largos, alternados con el presente. Otra secuencia importante es cuando muestran a la tía Gwendolyn en el hotel y descubre que no tiene su celular. En esta escena, Park muestra a India bajando al sótano con un cono para servirse helado, luego pasa a la tía Gwendolyn en el hotel hablando por teléfono con el conserje, luego muestran a Evelyn sentándose en su peinadora, pasa al exterior del hotel, vuelve a la habitación del hotel, corta al sótano nuevamente, corta a la habitación de hotel, corta a Evelyn maquillándose, y así sucesivamente hasta ir agregando más decorados y más personajes, hasta finalmente presentar uno de los puntos de acción más interesantes de la historia.

Guion, simbolismos y metáforas.

Como dije anteriormente, «Stoker» cuenta con un guion realmente muy bien estructurado. Es un filme que a pesar de su gran estética, supo utilizar todos los códigos fílmicos, cinematográficos, lingüísticos y estilísticos para reafirmar el relato. Algunas veces utilizando referencias directas, otra veces utilizando simbolismos o situaciones metafóricas. Por un lado tenemos la inclusión de insectos en las escenas: una araña, una mosca y una especie de escarabajo. La araña, a pesar de que la percibimos con planos detalles en distintas escenas, parece tener su propia línea de acción. La araña quiere introducirse en India, quien la percibe trepándosele encima, mas no hace nada al respecto, hasta que finalmente la araña trepa por el muslo de India y se introduce en su falda. Ese momento sucede inmediatamente después que India experimenta una situación practicamente orgásmica con su tío mientras tocaba al piano, que también tiene cierta connotación. Veamos la escena del piano primero. India se sienta frente al piano y empieza a tocar una melodía (recurrente en la película). De repente, su tío Charles, quien se había mostrado poca destreza para el piano, se sienta a su lado y toca junto a ella. En este punto de la escena parece que estamos frente a un duelo entre protagonista y antagonista; mientras que India toca las notas más agudas, Charles toca las notas más graves, imponiéndosele. India opta por tocar más rápido, pero él logra igualarla en el ritmo hasta que pasa su mano por detrás de ella (tanto India como Charles tienen la particularidad de que odian ser tocados) abrazándola y empieza a tocar también las notas agudas. India parece incómoda, pero luego se nota cierto nivel de excitación por el roce físico con su tío, hasta que finalmente terminan la melodía y Charles termina venciéndola en su propio juego, causando una sensación orgásmica en ella. En la siguiente secuencia es entonces cuando la araña se introduce en la falda de India. Entonces, ¿qué simboliza la araña? ¿La madurez de India? ¿La experimentación de una situación totalmente ajena a ella? ¿Un cambio repentino de personalidad?

Estos insectos son imágenes que crean cierto desconcierto en el espectador. Parecen no tener finalidad, pero transmite una idea del personaje o de las acciones. Así sucede cuando muestran al escarabajo empujando una diminuta bola de tierra, para luego en la historia ver que los mismos personajes también empujan una gran bola de piedra pesada para encubrir actos siniestros. Lo mismo sucede con la aparición de la mosca en varias escenas, como simbolismo de que la mosca está cerca de la putrefacción o de cosas muertas.

Otra metáfora interesante que puede pasar desapercibida para los espectadores, es en la escena en que Gwendolyn está en el hotel viendo televisión. Gwendolyn está viendo un programa tipo National Geographic o Discovery, en donde muestran a unas aves de rapiña. El narrador del programa de televisión describe cómo estas aves, a pesar de ser familia, a veces terminan por comerse a sus propios hermanos para sobrevivir. En esa misma secuencia, nos damos cuenta que Charles está viendo el mismo programa en su cuarto en la casa de India. Esta referencia es importante para entender el objetivo del antagonista e, inclusive, de la protagonista.

Después tenemos el elemento de los zapatos que usa India. Unos zapatos que según vemos desde inicios de la película, son los que India ha usado desde que era una bebé, solo que en diferentes tamaños, y que todos los años se los hacía llegar su padre; hasta que en su cumpleaños 18, el padre muere y no le llegaron los zapatos, sino una caja con una llave, que es con la cual India encuentra las cartas. Estos zapatos representan la inocencia, la conservación y la virginidad mental de India, hasta que finalmente recibe unos zapatos distintos (de tacón y color rojo) que representan su llegada a la madurez y su paso de niña a mujer independiente, controladora de su propio destino.

Sin lugar a duda, «Stoker» es una de las mejores películas que he visto en 2013. Las actuaciones de Mia Wasikowska y Matthew Goode son realmente impresionantes, apoyadas por las excelentes actuaciones de Nicole Kidman y Jacki Weaver. Lo impecable de sus interpretaciones les hace merecedores de cualquier reconocimiento actoral en festivales y premiaciones; por lo que espero ver sus nombres, el de la película, su director y varias áreas de su equipo artístico nominados en los próximos premios Oscar.

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